Detective Dee : Il faut toujours se fier à son instinct

D'abord, les premières minutes donnent déjà le ton de la suite. Le grain de l'image est vintage, semblable à celui des péplum, et n'augure rien de bon. Ensuite, on remarque alternativement une disparité entre la «fraîcheur» de l'image et son côté «usé», en fonction de si oui ou non le plan est pourvu des pathétiques effets spéciaux qui renforcent l'impression de voir un Bollywood ou une série Z diffusée en 2ème partie de soirée sur M6, au choix... Pour vous faire une idée, on n'est pas loin des films de Bruce Lee et des 36 poings vengeurs de Shaolin en terme d'esthétique kitsch.

Si je me souviens bien, je n'ai jamais vu une réalisation aussi hétérogène. Les plans foireux (comprenez amateurs) et luxueux (professionnels en slow-motion) se succèdent sans queue ni tête. Cela donne un aspect déplorablement brouillon à l'ensemble, et ne captive pas mais donne toujours matière à prendre du recul, toujours plus... jusqu'à décrocher. Parce qu'il n'a même pas ce rythme « foufou » que les convertis vantaient tant. « On en sort épuisé », « cela ne s'arrête jamais ». Que nenni, les scènes de parlotte et d'action se succèdent académiquement (ah un peu d'ordre dans ce monde de brutes !) pour ne pas noyer une intrigue fatalement simplette digne d'un jeu vidéo (film de « geek » ?). Toutefois, les dialogues portés au service de l'action (comprenez épurés) apportent quand même leur lot de surprise, et de rigolade, volontaire comme involontaire. C'est notamment le cas quand un cerf (mal modélisé, évidemment) prend la parole et se couvre lamentablement de ridicule, et ce même en VO... De très loin, on y retrouve donc un peu du Miyazaki de Princesse Mononoké pour ce côté fantastique, mais aussi pour le contraste réussi accordé à des lieux qui se distinguent nettement par leurs reliefs.

C'est donc ce qui manque clairement à ce divertissement : de l'occidentalisation. Alors que certains y voient un avantage, j'y vois une tare. Pourquoi ne pas prendre exemple de l'autre côté de la force : le Japon ? Pourquoi ne pas s'inspirer de Johnnie To par exemple, qui fait tant rimer Asie et Occident ? Au lieu de ça, ce genre de spectacle « bioman » (Les Inconnus) a tant été parodié dans nos contrées, qu'il est impossible de ne pas se placer dans la posture du cynique. Après tout, peut-être que le ridicule ne tue pas en Chine... Qu'il n'existe tout simplement pas... Ou je serais plutôt partant pour dire qu'il n'est pas le même. Comme l'occident a pu à l'inverse s'inspirer de l'Asie, on y retrouve en toute logique de la graine de Kill Bill dans l'exhubérance des combats et de certaines poses qui ne passent étrangement pas pour « cool » comme ça pouvait être le cas dans le film de Tarantino.

En somme, c'est un nanar qui s'assume très peu en tant que tel. Quelques scènes sont volontairement drôles, mais la plupart des plans se rendent ridicules par la trop grande importance accordée aux chorégraphies des combats, façon Power Rangers, ou tout simplement à cause du grand décalage vis-à-vis de ce qui constitue le « beau » ou l'« artistique » à mes yeux d'occidental. En cela, il suffit de regarder l'accoutrement du blond peroxydé déguisé en Link du côté obscur de la force, pour verser une petite larme de rire puis de deuil pour enterrer ce qui aurait pu être un bon film. Néanmoins, par son caractère exotique fondamentalement insaisissable, DD peut s'avérer respectable. Il est toujours possible de le qualifier d'OVNI de génie si on admet que la force de Tsui Hark réside dans sa capacité à mélanger les genres pour faire partir son film dans tous les sens tout en le faisant retomber sur ses pattes. En tout cas, personnellement, j'ai choisi mon camp. C'est quand même à se demander comment Positif a pu l'approuver... Un film d'avant-garde ? On est mal barré...

3/10

The tree of life : Ou le blockbuster de la grenouille de bénitier

Sur le papier, un casting aux petits oignons, un budget qu'on imagine blindé, une longue période de maturation pour un résultat qu'on espère à la hauteur, un grand nom à la réalisation, le souvenir de la Ligne rouge... Et du Nouveau monde. Ah, ça sent déjà moins bon...

Et là, le film. Ca commence pompier, avec des chants religieux, ça s'améliore légèrement au creux, et ça finit largement en emphase. De la BA, il ne reste rien, ou quasiment rien. De ce film sur l'éducation, qui paraissait déjà vu mais augurait du sympathique jaillit une envahissante allégorie de la vie, transcendée par la grâce, ou avilie par la (triste) nature. Je n'invente rien, ce sont les termes employés en adjonction des chants dégoulinants de bons sentiments voluptueux. Et cela ne s'arrête jamais, tout au long du film c'est un prosélytisme insoutenable pour un retour à la foi de ce Sean Penn que nous sommes tous, occidentaux, perdus dans notre cité de verre, attendant avec espoir un retour à la verdure pour reprendre racines familiale et spirituelle.

A priori dans la finesse, la narration use de procédés éhontés d'un lourdingue... De manière récurrente, sont répétées les mêmes allusions gonflantes au père et à la mère, qu'ils soient munis d'une majuscule à l'initiale ou non. C'est sur ce relent avarié de puritanisme américain que repose tout le twist du film, qui s'appuie sur l'évocation du « tuteur » de chaque être, de ce qui l'élève ou qui lui permet de s'élever. Toutefois, alors même qu'on croyait que cette éducation allait à vau-l'eau, qu'il y aurait un renversement de situation, et qu'on assisterait donc à l'application du procédé un peu archétypal employé dans Black Swan, mais somme toute attractif de l'ange qui se transforme en démon, il n'en est rien, et tout retombe à plat au moment même où la sauce commençait à prendre.

Avec un oeil saturé de cinéma traditionnel et formaté, on peut y voir un essai rafraichissant pétri d'images d'Épinal à la 2001, tout en se masturbant insensiblement les neurones puisque la trame ne nous stimule pas suffisamment pour nous distraire de notre monologue intérieur. Mais franchement, non, je préfère ne pas me laisser endormir par ce déballage d'images de clip tout autant propices à la contemplation qu'aliénantes, car il est impossible de me faire sortir de la tête que c'est trop de souffrances sous anesthésie locale pour pas grand-chose. En d'autres termes, il n'y a rien de neuf sous le soleil avec ce cours de catéchisme, ce sermon séduisant aux entournures, qui a pour seule caractéristique remarquable d'être aussi fourbe et perfide que le loup dans la bergerie qu'il jette aux orties dans sa bobine : la figure du père démoniaque mise en opposition de celle de la mère, angélique. S'appliquant à vouloir faire du Gus Van Sant, Malick ne fait rien d'autre que laisser un mauvais arrière-goût d'une compilation mal maîtrisée de Jurassic Park, pour le passage halluciné de la genèse où des dinosaures à la modélisation grotesque surgissent sans crier gare, d'Océans pour ses jolis plans sous-marins, et de Virigin Suicides pour l'American dream faisandé, entre autres...

Ayant l'impression d'avoir été le dindon de la farce, de s'être fait administrer une blague à l'insu de notre plein gré, on en ressort avec l'envie d'en découdre. Un comble pour un film qui se veut mystique et paisible, non ?

3/10

Winter's Bone : Vive les os d'hiver.

Winter's Bone est ce qu'on peut appeler un film à ambiance. Un film « semi-contemplatif » même. Qu'à moitié, car à vrai dire il n'a rien de la « beauté » culturelle qu'on vante tant parmi l'intelligentsia. Dans cette apparente laideur, l'une des plus grandes beauté réside dans une interprétation qui ne fait en aucun cas chavirer la barque à flot dans laquelle est bien malgré lui collé le spectateur.

A y voir de plus près, il est même l'unique film d'horreur à prendre vraiment du crédit au fil de l'aventure. Dans le genre, on peut penser, de loin, à un Calvaire français pas forcément super assumé qui pouvait faire se dresser les zygomatiques. En trompe-l'oeil, la satire sociale de Gummo nous fait de l'oeil en trainant à l'affront de nos chastes yeux ces proto-zombies. Et en parlant de zombies, on pense justement aux films Rob Zombie à la vue de ces « rednecks » enfournés dans ce cadre sauvage planté au milieu de nulle part.

Et le scénario alors ? Eh bien... Il tient pour ainsi dire à rien du tout. Dans le sillon germain de Fighter, l'intrigue est ficelée avec des gants de boxe. Il faut donc croire que la « petite histoire » n'est pas le point fort du film, et que pour aller plus loin encore, elle est somme toute méprisée par la réalisatrice. Au lieu de ça, elle préfère refaire le portrait d'une Amérique profonde moins bovine que dans Délivrance, mais tout aussi barjot et inquiétante. Ainsi, en s'inscrivant dans la suite affinée du succès critique de la réalisation de Boorman, Winter's Bone s'avère, en toute subjectivité mal de foi, pas franchement mémorable.

Au rang des acteurs, on retrouve une collection de seconds rôles croisés dans des séries ou dans d'autres films absents du top des charts. A la proue, l'actrice principale a au moins le mérite d'apaiser de tout son charme, et amène pour le coup une autre touche bienvenue de beauté dans cet océan grisâtre à s'en débecter. Qui a dit La Route ? On n'en est en effet pas trop loin tant la laideur superficielle sus-citée constitue leur lien de parenté. Dans cette demi-teinte pas vomitive, l'audience est globalement séduite donc, persuadée, même, mais pas convaincue.

Bon mais pas mirobolant, Winter's Bone a le mérite de faire réfléchir les psychologues et autres sociologues de tout poil en exposant le cas social d'un patient isolé et frustré. Une souris de labo ? Ni plus ni moins. Ree , c'est le prénom de l'héroïne, est le sujet d'une expérience qui tourne mal et qui pourtant laisse planer l'ombre d'un doute dans un No Man's Land où tout n'est qu'affaire d'impunité. Une allégorie de la conquête de l'Amérique ? Une représentation de ses fondations ? Une image d'épinale de la politique dominatrice qu'elle mène encore à l'heure actuelle ? Des questions, le film en pose, en laisse de côté, et en repose ; parce que sa force est avant tout de susciter l'incompréhension.

Pour sa défense, on peut arguer que je ne l'ai pas vu trois fois, et que je n'ai donc sûrement pas capté tous les axiomes qui font de ce film qu'il est ultime. Mais en engageant toute ma volonté et ma bonne foi, je sûr et certain que la bobine gagne en corps et en âme au fil des visionnement. En définitive, comme l'argumentaire crevé servi ci-présent est à revoir, Winter's Bone est assurément à voir...

Incendies : L'un sang l'autre.

« Les jumeaux » : tada ! C'est comme ça que commence le film qui fait l'objet du quiproquo. De mon quiproquo de courte durée, étant donné l'accent québécois vite de la partie. Globalement, il faut d'ailleurs bien avouer qu'il est plutôt insupportable dans la bouche du fils, messire Simon Marwan. Cela entache passablement la narration et entame même carrément sa compréhension à l'occasion de quelques rares lignes du script tout simplement inintelligibles. C'est dommageable, certes, mais ça n'estompe pas mon enthousiasme à l'égard d'un film que je n'attendais pas aussi bon.

En point d'orgue, le rythme est plus que bien foutu : les séquences d'action et de parlotte se succèdent sans faire d'anicroche. Le montage à base de prolepses et d'analepses est plutôt atypique mais fait montre d'un étalage thématique, pas rébarbatif pour un sou, entre des personnages et des lieux désignés par les mêmes lettres rouges sang impromptues qui barraient l'écran au tout début. Plus qu'un gadget pour cinéphile, cette répartition est clairement ce qui éloigne la propension à bayer aux corneilles devant un thriller dramatique tout ce qu'il y a de plus prévisible.

Car ce que je viens de décrire est tout ce que n'est pas Incendies. Le summum de la classe est même carrément atteint à la toute fin du film, quand ce qu'on attendait comme une annonce des hostilités siège enfin sur son trône en me barrant le visage d'une expression béate. Alors, monsieur, dois-je comprendre que le film serait monté à l'envers ? Oui et non. Oui car tout le récit des péripéties de la mère défunte est enchâssé dans une scène se déroulant « ici et maintenant ». Non, car Incendies fait preuve d'une cohérence et d'une astuce sans nom en retombant sur ses pattes (et pas de derrière, siouplait !).

Dans les sujets qu'il aborde, le film de Villeneuve est de prime abord cosmopolite mais aussi particulièrement vicieux. Cette perversité, on la trouve tout d'abord dans le travail réalisé sur l'image. A la fois belle et sale, elle est le reflet d'un pays déchiré en deux nations entre la Palestine et Israël. En partant de là, la qualité d'image se fait incendière, et « sublime » les atrocités commises et montrées sans pudeur pour subjuguer de réalisme. Après les grands mots, on peut principalement retenir que ce film a des qualités de mise en scène peu communes dans le genre, que son scénario fait preuve d'originalité, mais que malgré tout il n'est pas exempt de quelques longueurs qui font pas mal tirer sur la vue pour parvenir à rester éveillé... Conclusion : tout, tout, tout ; en tout et pour tout, je ne me répéterai jamais assez : Incendies m'a ravi.

Fighter : Fight Hour

Boxant d'apparence dans la même catégorie que le très bon The Wrestler, Fighter joue pourtant dans une catégorie bien plus joviale. Du drame, bien sûr, il y en a, mais ce n'est jamais larmoyant comme dans le film avec Rourke. Il est plutôt là, latent, transformé en second degré de tout instant. La misère, les errances et les déceptions sont occultés par la volonté de ne pas totalement s'apitoyer sur son sort pour plutôt asséner un bon coup de tatane dans la fourmilière.

Comme prévu (ouï dire, interviews, récompense...), Christian Bale est impressionnant de justesse toute exubérante, jusque dans ses mimiques buccales. Une fois encore, sa transformation corporelle n'est pas accessoire, et l'acteur laisse sa doublure capitonnée au vestiaire pour pleinement s'insérer dans son costume bien serré. Sa bonhommie qui transpire l'humanité donne immanquablement l'envie d'adhérer à sa cause, même s'il arrive qu'au-delà du gai luron qu'il incarne, on voit de nouveau l'acteur possédé du Machinist. En tout état de cause, Mark Wahlberg passe à côté, et à tort, pour un acteur fade, car il est indéniable que son rôle lui impose la réserve. Du coup, on peut dire sans se tromper que ce rôle est tout taillé pour lui, à des bornes et des bornes du semi-craquage nommé Max Payne.

D'un point de vue purement esthétique, l'alternance entre les moments de gloire ou de honte affichés sur le ring détachent la réalisation habituelle de son giron pour la faire entrer dans celui de la représentation « brute » télévisuelle. Ce mélange doux-amer est bienvenu pour remotiver l'intérêt et faire vibrer l'audience devant des combats des plus réalistes. De cette manière, le confirmé en prend pour son grade et le profane ascendant amateur s'invite au fond des gradins pour tâter l'odeur du sang et de la sueur.

Et pourtant... Après la séance, on se demande quand même si la vie d'une star locale qui a viré sa cuti pour la drogue justifiait la réalisation d'un film. Dans la forme, ce dernier se focalise principalement sur les pitreries de Dicky, quand Micky se cantonne à imiter Rocky pour remporter le titre de champion du monde. Versant dans la comédie dramatique, Fighter est donc comme qui dirait un peu le cul entre deux chaises. D'un côté, le périple d'un jeune boxeur en mal de victoires fait accomplir au film son petit bonhomme de chemin de manière assez classique alors que de l'autre les frasques d'un junkie tapent sévère dans le mille pour susciter le rire. Globalement, qu'on aime ou pas, les deux s'entrechoquent donc pour créer une tablette 2 en 1, qui lave plus blanc que blanc ; parce qu'après tout, n'en déplaisent à la communauté asiatique du film, « ils font toujours ça entre eux », comme dirait l'autre...

World Invasion : Battle Los Angeles

C'est badass, ça transpire la testostérone et la camaraderie. C'est formaté au possible, jusque dans la BO : entre Dark Knight pour les sursauts de tension et Il faut sauver le soldat Ryan pour les moments de bravoure arrangés aux voies blanches toute dégueulasses de puritanisme avarié de chants de grands enfants de choeur. En plus de ça, les moyens pour faire des effets spéciaux époustouflants ne sont pas vraiment au rendez-vous. Des séries comme Stargate ou Battlestar Galactica font facilement mieux le temps d'un épisode de fin de saison.

Ce qui pète vraiment à la gueule, ce ne sont pas les effets spéciaux, non, c'est le fait que le film n'a aucune personnalité. C'est bien simple : jusqu'à voir pour la première fois un extraterrestre de près, on se dit qu'ils ne ressemblent à rien, toujours filmés de loin, endimanchés d'on ne sait quelle manière : C'est des robots ? Ils sont à poil ? C'est quoi ? Une coquille ? Une armure ? Designés comme des poulpes rachitiques, lointains cousins de ceux d'Independence Day, ils ont une gestuelle de l'autre siècle et un charisme proche du néant.

Avec tout ça, ce n'est pas étonnant que le scénario paraisse autant siphonné et téléphoné... ou presque. Le dénouement, qui résout le problème planétaire, constitue l'unique once d'originalité par la sublimation de l'art métonymique qu'il nous offre, à nous, spectateurs privilégiés. Malheureusement, il faut bien avouer qu'une seule surprise pour deux heures de film... C'est bien maigre. Les quelques occurrences d'originalité n'en sont en fait pas. Choisir une femme forte pour un semblant de parité homme/femme ou plutôt d'égalité des sexes est plutôt couillon voire carrément crétin. Ce gisement à pépites n'est pas exploité, ou alors seulement le temps d'une blague de bienvenue, parce qu'après ça vire vite au sexisme, et le comportement de WonderWoman est ni plus ni moins qu'un énorme copier-coller mal démoulé de l'American Soldier « chef oui chef ! ».

Pas de cuisine au top, non, rien que des gamelles pour un vétéran de la guerre en Irak qui en a marre de jouer le commis de la guerre et de ses atrocités, mais qui pour le bien de l'humanité rempile à la plonge et du coup se tape les quolibets des troufions sous son commandement. Et c'est en cela que réside le seul ressort dramatique, plié et pressé maintes et maintes fois. Entendre dire à répétition que la guerre traîne son lot de dommages collatéraux (comprenez macchabées) à cause de hauts gradés qui dans l'urgence sont amenés à faire des choix fatals, à force, c'est lourd.

Vous l'aurez compris à la lecture de son titre inepte à rallonge et de ce pavé mimétique, WI(oui):BLA(blabla), c'est gavant.

Route Irish : La vacuité, c'est tendance.

La bande-annonce laissait entrevoir un Thriller à la fois musclé et porteur d'un véritable message. A la sortie de la séance, on se rend à l'évidence : tous les moments de tension y sont compilés comme pour tout bon film mange-merde. Mais alors, si l'on n'a pas le droit à la chique et au mollard, on pourrait s'attendre à ce que Ken Loach fasse preuve d'esprit d'initiative en nous dégotant un bon scénar'. Que nenni. Au lieu de ça, il empile les leçons de morale et les peintures d'instincts « bad guy » en alternance. Pis, Loach nous prend tellement pour des neuneus qu'il se croit obligé d'expliciter dans les dialogues ce qui n'a pas besoin de l'être.

Et comme si ça ne suffisait pas, le film est monté avec les pieds : certaines scènes de dialogues « ping-pong », autrement appelées « Frankie-Nelson », paraissent incroyablement longues tandis que d'autres sont « zapées » en moins de deux, alors que notre attention est portée sur un détail d’une image. Les scènes donnent l'impression de mal s'enchaîner, de faire preuve d'une sécheresse et d'un manque d'habillage indignes d'une « grosse » production.

En parallèle, la musique est très peu utilisée, et l'est à mauvais compte lorsqu'elle est utilisée pour prétendre souligner quelque-chose avec peine. Aussi, les rares tentatives de faire de l'humour tombent lamentablement à plat. Le film ne fait en aucun cas rire, il déçoit. Globalement, son ton est résolument grave, ce qui rend d'autant plus navrant les fautes de goût délivrées pour mener la fronde contre les véritables méchants dans l'affaire : les plus hauts fonctionnaires de l'Etat Irlandais et autres responsables militaires.

Pour sûr, RI manque de manière flagrante de rythme. La quête du responsable du meurtre de son meilleur ami, qui l'est aussi pour toute une famille Irakienne, est lente et fastidieuse. Certaines scènes ne sont d'ailleurs d'aucune utilité pour faire avancer le schmilblick et nous sortir de ce merdier. Que ce soit dans le bourbier Irakien ou dans le bordel Irlandais, on s'ennuie ferme. Heureusement que le ridicule ne tue pas, car le twist final est à l'image de tout le film. Complétement absurde, il tombe comme un cheveu sur la soupe sans faire de vagues.

True Grit : Les « guts » au trou ?

La patte Coen grasse et lourde empreintée sur le terrain désertique et déserté du grand Ouest. La prestation de Jeff Bridges, rembauché après Big Lebowski, vaut son pesant de cacahuètes et sert grandement le comique bouffon si caractéristique des comédies Coeniennes. Car là encore, on s'y retrouve. Arpentant des terrains connus, on est jouasse de retrouver un ami pas vu depuis un demi- bail.

Pourtant, l'amitié a un peu perdu de sa superbe avec le temps. Par exemple, la dernière visite n’est pas aussi trépidante que l’était en son temps No Country For Old Man. S’il n’y a pas de véritable surprise, l’étonnement tient paradoxalement en ce qui caractérise le film et qui pourtant lui manque cruellement. Je m'explique : d'accord, les incartades loufoques plantées dans un univers battu et rabattu prennent le spectateur de court, mais ces dernières n’estomaquent jamais vraiment par leur originalité.

Et quand on ne pense pas à une influence cinématographique de la paire, on pense directement à un de leurs anciens films. Un seul exemple des plus parlants : la scène d'exécution dans le refuge par Rooster (le premier rôle) fait directement écho à la scène de la penderie où Clooney assassine Pitt dans Burn After Reading. En parlant d’influence, on détecte aussi une grosse pincée de Monty Python estampillée Sacré Graal, lorsqu'apparaît inopinément l’apothicaire ambulant à la tête d'ours, juste un peu plus louche que le reste ; tant on le soupçonne d'être nécrophile.

Au final, si on passe un excellent moment de pitrerie mi-sordide mi-potache, on n'en garde pas un souvenir ému pour autant. En voulant revisiter le Western en se targuant non pas d’un remake mais d’une « re-creation », les Coen choisissent la facilité en transvasant leur art typique de la comédie avec une certaine paresse qui n'empêche toutefois pas le résultat de faire mouche. Au moins, on peut s'enorgueillir que les deux heures passent suffisamment vite pour que l’on ne sourcille pas d'un poil dru.

Le Discours d'un Roi : Une bonne blague vaut mieux qu'un long discours.

De par son rythme monotone, le film de Tom Hooper n'enchante pas totalement. Son sujet recroquevillé sur le couple formé du « docteur » Logue et du futur Roi d'Angleterre n'offre pas beaucoup d'escapades en-dehors des sentiers battus et confinés de la thérapie. En deux heures, on ne voit guère plus que les progrès lents et fastidieux de « Bertie ». OK, une intrigue tenant sur un post-it ne fait pas toujours un mauvais film, loin de là, mais comprenez que l'histoire des errances d'un homme - qu'il soit célèbre ou non - confronté à ses problèmes d'orthophonie n'est pas en soi très passionnante...

Toutefois, les acteurs sont là pour assurer la sauvegarde de notre intérêt. A ce titre, Colin First est épatant dans son rôle de bègue frustré et colérique. Il tient la dragée haute (comme dirait l'autre) et supporte l'ensemble du film à lui seul. Pas (ou peu) présenté comme un biopic, Le discours d'un Roi en est pourtant un sacrément bon représentant. Pour peu que l'on apprécie de recevoir une leçon d'Histoire par la petite porte dérobée du septième Art, on pourra se prendre d'intérêt pour la petite histoire d'un homme blessé dans sa chair d'enfant par un père indétrônable.

A l'inverse, ce n'est pas le renfort des violons et autres instruments classiques larmoyants qui passera inaperçu. Ceux-ci sont assez prégnants pour fragiliser les dialogues des moments dramatiques, auxquels on finit par ne plus prêter attention, tant le travail de compréhension de la situation nous est pré-mâché. Détail, me direz-vous, mais j'avoue avoir tendance à trouver ce procédé éculé plutôt navrant.

Fort heureusement, l'humour est bien présent, et en bonne place, même s'il se résume majoritairement à des « hun hun » bouche cousue ou de légers sourires de convenance. Des moments de pur exutoire comique sont heureusement au programme, et permettent pour le coup de ne pas regretter d'avoir fait le déplacement.

Loin d'être mauvais mais pas extraordinaire pour autant, Le discours d'un Roi remplit correctement un cahier des charges académique. Pour le plaisir, il se laissera regarder un dimanche soir en première partie de soirée sur Arte, mais ne sera en aucun cas un film mémorable.

Bas-Fonds : Bas-fonds à bas frais.

Bas-fonds se résume d'abord à l'appréhension de passer une (petite) heure interminable de calvaire. Entre les ordres et autres chamailleries incompréhensibles servis à gorge déployée, les bouffes rituelles de Ravioli, les crasses baffrées en priorité par « la grosse », et les séquences porno refilées sur un vieux cathodique, c'est le ronron aliénant du quotidien qui les accable et nous fait chier à cent sous de l'heure.

Et après ça, c'est la transformation, pour ne pas dire la révélation, à l'instar d'un Huysmans qui passe à peu de choses près de la tentation de la bouche d'un flingue aux pieds de la croix. Sans savoir pourquoi, un casse qui tourne mal conduit la peuplade à fréquenter un peu plus les tréfonds. Après la misère culturelle, intellectuelle et sociale, ils connaissent la précarité des cellules grisâtres et nauséabondes, la privation des libertés, et le repli total sur soi les abrutissant toujours plus. Et pourtant... C'est à ce même moment que le propos prend une toute autre ampleur. Après les jérémiades, les défenses de territoire et la lutte pour le leadership qui sont la démonstration d'une recréation de micro-société primitive, les paroles d'évangile et les professions de foi leur succèdent et peuplent l'écran. Sans trop savoir pourquoi, encore, on s'embarque alors dans l'histoire pour en connaître le traitre mot de la fin. Et là, le bât blesse, l'heure et quelques de film ne m'a finalement pas parue si longue, et comble de tout : je reste pour dire sur ma faim...

Si le dernier Isild Le Besco a les défauts les plus répandus d'un court-métrage amateur, il paye au moins par la présence de Gustave Kervern, qui est comme la cerise gâtée sur le gâteau avarié gavé d'une chantilly périmée. Plus un essai qu'un grand film, Bas-fonds a le mérite de proposer autre chose, à défaut de proposer du nouveau dans un cinéma dont les formules sentent de plus en plus le rance. On l'oubliera vite pour ses qualités cinématographiques quasiment nulles, mais on le retiendra pour son ambiance égoïste et désinvolte pas si répandue que cela dans les rayons de la « grosse » distribution.

Black Swan : Il suffisait d'un cygne.

A en entendre parler à tous les étages et sur tous les toits, j'avais de quoi craindre l'effet coquille vide, également appelé « effet Avatar ». Une bande-annonce aseptisée pour rameuter le plus grand nombre, une belle gueule en affiche à peine amochée par une fissure pas vraiment perceptible au premier coup d'oeil, un synopsis énigmatique qui laisse pour le moins sur sa faim... Pourtant, certains avis éclairés m'encourageaient indirectement à franchir le pas pour entrer dans la danse. Au sortir de la séance, rien à regretter, car Black Swan a comblé mes attentes, et plus encore.

A mesure que le cygne noir prend son envol, le film décolle et devient donc de plus en plus captivant. Une première partie polissée, belle et fragile, succède ainsi progressivement à une seconde torturée, agitée et éparpillée. En cela, le déroulement du film est à lui seul une métaphore de la métamorphose de (Nathalie Portman) en cygne séducteur, sulfureux et imprévisible, qui par une mise en abyme bien sentie charme les spectateurs du ballet comme du film. Et la comparaison entre le figurant et le figuré ne s'arrête pas là, car la perfection pourchassée par l'héroïne (ou l'ecstasy ?) est mimétique de celle de l'actrice qui fait totalement corps avec son personnage, au point d'en épouser les formes effilées et rachitiques de manière absolument bluffante. Côté français, l'interprétation de Vincent Cassel laisse penser que s'il n'avait pas expiré deux-trois mots dans la langue de Molière, on aurait pu croire que son accent coupé au couteau deviendrait la risée d'une majorité du public anglophone.

Pour rester dans les griefs, on peut ajouter que si le réalisateur ne prenait pas soin à plusieurs reprises de nous vendre la mèche avant de l'avoir brûlée, on pourrait presque ovationner des scènes qui ménagent le suspens de manière à dévoiler la folie en crescendo, à mesure que le sombre cygne déploie ses ailes.

Et puis, parce que je ne suis pas à un truisme près, je peux dire que Black Swan ressemble à une autre réalisation d'Arronofsky : Pi. Beaucoup moins opaque, voire brouillon autant dans la forme que dans le fond, le long-métrage est ce qu'on appelle un accomplissement dans la carrière d'un réalisateur : dans l'esthétique, comme dans la psychologie. Pourtant, on est là aussi face au fait accompli, propre à tout bon film faisant la tambouille de la dépression, de la schizophrénie et de la paranoïa : notre manque de clairvoyance face à ce qui relève du réel ou de l'hallucinatoire.

Au final, le dernier film d'Aronofsky est une oeuvre dure et majeure, un classique en puissance qui sera sans nul doute cité comme référence parmi les films qui se proposent de donner un visage à la folie.

Sound Of Noise : Bruit et fureur.

Super surprise. Sound Of Noise est la première vraie comédie musicale que je vois ; et que j'apprécie à sa juste valeur, du coup. Introduit par un court-métrage avec une bande de musiciens « concrets » jouant dans un appartement, on est d'emblée scié par l'imagination dont a fait preuve le réalisateur pour habiller ces compositions cousues main. D'une pièce à l'autre, chacun donne de son talent pour occuper l'espace sonore et utiliser chaque objet de la pièce à l'avantage d'une composition d'ensemble. Ca donne le ton. Cabotin, espiègle, qui enjoint à suivre ces sales gosses dans leur pérégrination anarchiste. Et le tempo est presque toujours aussi enjoué durant le déroulement d'1h42. Occasionnellement parsemé de creux, de baisses de tension, mais tout s'illumine et pète de mille feux quand la déflagration sonore « intellectuelle » nous explose à la tronche. Esthétique et ingénieuse, chaque pièce de la symphonie appelle à repenser son univers pour percevoir une musicalité que l'on croit réservée à des espaces dédiés et confinés. Quasi-imperceptible, la véritable beauté du son se manifeste dans l'absence de mise en scène de la vie comme dans le bruit produit par ces musiciens inadaptés au conservatoire qui révèrent la mélodie dans son apparat le plus spartiate, exigu et dépouillé. Un taudis de sons enchevêtrés en cadence pour une mélodie qui n'a pourtant rien de bruitiste. Le « Noise » le plus intégriste hérité de l'Electro n'a que très peu raison d'être dans ce film qui privilégie l'admirable métaphore de la main de fer dans un gant de velours. Par l'adjonction des services de batteurs, on se rapproche de l'image répandue du circuit musical commun, en y voyant tout de suite l'expression des racines du Noise Rock qui a déferlé dans les piteuses esgourdes pendant les années 90. Mais SoN est surtout un bel hommage à la musique concrète, bien qu'il ait été froidement accueilli par la presse, qui était en droit de s'attendre à plus qu'une comédie musicale décapante. Car si les nombreux rictus et autres rires francs sont de mise, il est en effet à regretter que le film n'ait pas de scénario à proprement dit, si ce n'est une enquête de police accessoire et une banale histoire d'amour comme fil conducteur. Mais on ne lui en tient pas rigueur, car la fureur de vivre transformée par la fureur du bruit, c'est toute une philosophie de la musique libre joint à un mode de vie refusant l'asepsie qui décollent la rétine et vrillent les tympans des déplorables catéchumènes que nous sommes.