La dernière piste : Un chemin de croix

Une bande d'amerloques s'aventurent à l'Ouest pour faire fortune et jouir de la promesse d'un nouvel Eden. Sur leur chemin, leur guide leur fait découvrir un avant-goût du calvaire du Christ...

Si l'éducation religieuse mène ces hommes et ces femmes, le spiritisme n'est pourtant qu'une part immergée du film. Elle sert surtout de référentiel pour la cohérence historique, notamment lorsque leur route doit croiser celle d'un indien indigne de Dieu qualifié d'« homme-enfant ».

Alors qu'on pourrait s'amuser, ou tout du moins se distraire, de ce choc des cultures, pour dire vrai, on s'ennuie beaucoup. Dans la salle obscure, on s'assoupit. Pourtant, l'ambiance y est, quand même, grâce, notamment, à la légèreté de la bande-son qui s'adapte aux quelques moments d'angoisse, d'incertitudes, et de perte d'espoir.

Mais ce film, c'est surtout la fin ouverte la plus naze et la plus aride que j'ai jamais pu voir. Alors qu'on s'attendrait à ce que les passions se déchaînent pour un oui ou pour un non, la courbe d'intensité reste plate, tout comme les dialogues, brillant bien souvent par leur vacuité, quand ils ne font pas dans la redite. Tout le monde a soif ? Qu'à cela ne tienne, une réplique doit marquer le coup de l'image : « oh, les animaux ont soif, il va falloir leur trouver à boire ».

Au lieu de ça, j'aurais apprécié que les couples s'émiettent puis se disloquent pour former de nouvelles alliances, que les gentils de départ se révèlent être les plus pourris, etc. etc. Un western, quoi, digne de ce nom, pas Spaghetti non plus, mais plus vigoureux. Bref, avoir un peu de surprise, quoi, au-delà de la paranoïa et de la discorde qui les envahit peu à peu et qui mérite une certaine attention. Je sais bien que le spectateur n'a pas à refaire un film selon ses attentes mais doit s'y adapter... Mais je ne peux m'empêcher de ressentir du gâchis.

Pourtant, l'image est travaillée pour donner l'impression que le sable s'étend à perte de vue. Au fond, il est évident que ce film a quelque-chose, mais ce quelque-chose est fortement gâché par un manque de rythme mâtiné d'une classe, elle aussi aux abonnées absentes, qui forge les films cultes.

Détail amusant, le chapeau perdu par le grand barbu à postiche, lors d'une scène de chevauchée vers le peau rouge, et retrouvé par magie quelques plans plus loin, fait évidemment sourire, et donne un petit caché artisanal supplémentaire au film.

J'aurais envie d'aimer ce film, car je sens l'hommage en puissance aux pionniers du grand Ouest, avec un amour de la culture américaine et du cinéma de genre... Du temps et de la patience, voilà ce qu'il mérite. En tout cas, Gerry a du soucis à se faire, il a trouvé un sérieux concurrent dans le genre du Western.

5/10

La ligne rouge : Coupes de cheveux non réglementaires

Avec le temps, je commence à être habitué aux films de Malick. Dès les premières minutes, on reconnaît la « patte » Malick, jusqu'à se demander s'il ne réalise pas toujours le même film. On y retrouve donc cette fameuse voix-off si caractéristique, symbole de l'introspection du « moi » profond qui aspire à la transcendance.

Il est alors logique que les flash-backs d'un soldat en compagnie de sa femme au blond virginal, tout en voix off, fassent penser aux prières intérieures de la Sainte (pas très) vierge de Brad Pitt dans Tree Of Life. Si ce n'était pas récurrent chez le réalisateur, on pourrait croire que c'est une façon de matérialiser le réconfort que les soldats appellent de leurs vœux quand la situation est critique. Mais non... Il faut croire que ce gimmick fait partie des convictions profondes de Malick.

La comparaison avec Tree Of Life ne va néanmoins pas très loin. Cependant, le réalisateur n'oublie pas de faire preuve d'un spiritualisme d'enfant de six ans abonné à la catéchèse, qui croit autant en Dieu qu'au père noël, par l'omniprésence des pensées du héros, qui fait office de prêtre au discours sage et solennel, perdu dans un monde de fou. Il est ni plus ni moins que le messie des temps modernes : souriant, jovial, curieux, généreux, il sourit à la vie alors que tout le monde lui répète qu'elle est pourrie. En éclaireur envoyé par Dieu, il constate ce que l'homme a fait de la beauté qui lui a été offerte. Il faut croire que c'est un peu de l'âme du réalisateur qui est injectée au cœur de ce rôle quasi-autobiographique... Ce type rechigne à se battre, et comme doit faire tout réalisateur qui se respecte, contemple le monde pour y déceler ses beautés les plus infimes dans un capharnaüm de débris d'âmes. Certes, ça sent le roussi, mais les effets cinématographiques chers à Malick servent ici une cause palpable et tangible que le Tree Of Life n'explicitait pas.

Y plane le dégoût d'une armée qui ne sert pas les intérêt d'un pays mais celle des hommes les plus gradés, et au-dessus d'eux, des politiciens véreux. Dans le rôle du général, Travolta fait d'ailleurs une courte apparition, pas regrettée du tout car il surjoue allègrement de toute son arrogance ricaine une caricature malvenue dans un univers au premier degré.

Le véritable objectif de Malick est de reproduire l'écho d'hommes qui se sont engagés pour rendre service et honneur à leur patrie, en un acte individuel, avant de perdre leurs illusions simultanément qu'ils sont devenus un tout collectif, comparable à de la chair à canon interchangeable, à disposition inconditionnelle des généraux.

Le problème c'est qu'on ne sait jamais si Malick glorifie totalement les hommes qui se sacrifient pour une cause nationale ou s'il appelle à une fin absolue de tout conflit. En pratique, Malick emprunte plutôt le premier chemin. Le fait de sacraliser le sacrifice est appuyé par une musique grandiloquente commémorative les faisant passer pour des héros ou encore plus simplement par une mise en scène privilégiant à outrance les affrontements avec le parti pris du camp américain.

A ce titre, la prise de la colline est un des moments forts du film, si ce n'est LE moment fort. Il résume à lui seul l'euphorie empreinte de malaise qui domine le film par petites bribes. Pour le comparer avec un autre adepte des conflits, il est aussi lent et contemplatif qu'un Eastwood, avec les traits d'esprit édifiants en plus.

Clairement, La ligne rouge, comme tout film de sa catégorie, n'échappe pas aux critères du genre en adoptant un sujet commun au ciné après la guerre du Vietnam : la dénonciation des ravages de la guerre, pour l'homme, mais surtout pour la Nature, très chère à Malick, qui domine tout, et constitue un alter-ego de ce qu'on est bien vite inspiré de nommer « Dieu ».

Malick fait « ce rêve blanc », celui de tous les hommes emprisonnés par la civilisation, celui de l'autre monde, fantasmé, et pourtant qualifié de barbare peuplés d'indigènes pour ces populations développés dont nous faisons partie. Ce monde idéal, c'est celui où l'on respecte la Nature au point de vivre en communion avec elle, en acceptant non seulement ce qu'elle donne, mais aussi ce qu'elle reprend.

Mais que serait la nature sans l'amour unissant deux êtres ? Un autre thème cher au coeur de Malick. On y aperçoit une histoire d'amour subreptice, lointain souvenir d'une définition de la vie, qui aide, classiquement, à faire tenir le soldat dans les moments les plus agités et incertains, seul repère fixe dans un univers perpétuellement en mouvement. Preuve que le film ne manque pas d'idées pour se diversifier, mais les exploite parfois mal, à l'instar du rendu de l'image, générique, qui paraît aussi suranné de nos jours que celui d'un Platoon, pour ne citer que lui.

Globalement moins pompier et plus sombre que le dernier né, il appose un regard en demi-teinte, animé par l'espoir mais rongé par le pessimisme d'une humanité qui s'entredéchire. On dira donc qu'il est d'apparence moins « niaise » que son petit-fils, pour les plus cyniques d'entre nous.

C'est une fresque tourmentée et intrinsèquement paradoxale, entre le panégyrique et le pamphlet, d'un réalisateur pris entre deux feux, celui de sa nationalité, et celui de sa conscience, et qui embrasse la spiritualité pour redonner un sens au monde cruel des hommes, résolument primitif bien que civilisé.

La démarche est louable, le pari, risqué. Forcément, il sait qu'il récoltera les coups de bâton, mais il fait ce qu'il aime : confronter les deux mondes de la folie et de la plénitude, pour les faire cohabiter ou fusionner.

Une expérience du film de guerre, à la Malick, forcément différent, et donc quelque-part intéressante. Il est à voir pour distinguer en quoi le réalisateur se démarque des autres productions de sa génération en proposant sa propre vision. Oui, Malick rêve d'un autre monde, où l'amour règne en égal de Dieu, et le fait savoir. Un hippie ? Un rasta ? Un cinéaste de l'impossible. Et bien que ces éléments l'y indisposent, La ligne rouge peut quand même prétendre au titre du plus beau film réalisé sur la guerre. Un comble.

Reste que les 2h45 seront un calvaire si on n'est ni adepte des simili-bondieuseries sentimentales de Malick, ni de la capture objective de la bravoure et de l'héroïsme illuminés chers à Eastwood ou Spielberg.

Mais qui sait... en fournissant toujours plus d'effort pour comprendre l'illuminé, peut-être qu'un jour il sera possible de devenir disciple de Malick, et ainsi d'entrer dans la cour fermée de ces avant-gardistes qui se réclament de sa chapelle.

6/10

Le Prestige : Prestige d'agitateur(s)

Le prestige. Au sens propre, et au figuré. Strictement, vous connaîtrez sa définition en regardant les premières minutes. Au figuré, il vous faudra plus de temps pour se rendre compte de la maîtrise du réalisateur. En d'autres termes, il joue sur le prestige du cinéma de nous mener en bateau. A la manière de Memento, il entremêle les scènes entre aller et retour, prolepses et analepses, comme il battrait les cartes avec une idée précise de son jeu et de ce qu'il cache dans sa manche.

Nolan joue sur un thème répandu dans la littérature – puisqu'il faut rappeler que le film est une adaptation de nouvelle - et le septième art : la rivalité. Néanmoins, il le traite avec l'originalité de son savoir-faire de cinéaste, mêlant thriller, fantastique, et drame. De la même manière, il ne se limite pas aux relations conflictuelles régies par des affaires sentimentales, mais se sert des apparences pour détourner l'objet et le but de ce conflit général, jusqu'à enfermer les personnages dans le monde de la chimère et de la virtualité, en bref du spectacle, qu'il soit « magie » ou « science pure ».

Le film s'achève malheureusement sur une résolution prévisible, mais qui a pour mérite de laisser une fenêtre entrouverte par le doute autour du tour qui nous est joué, et qui va donc au-delà d'une vérité illusoire qu'on veut bien nous vendre, à nous, demandeurs crédules. Aussi, et c'est bon signe, sa relative complexité structurelle en fait un film à revoir pour tenter de faire s'évanouir l'illusion à défaut de résoudre un mystère dont on connaît (ou du moins on se doute) l'aboutissant.

Double, la médaille comporte donc sa face brillante, mais aussi son revers. Il est vrai que l'on peut s'ennuyer face à des scènes, qui, remises dans l'ordre, peuvent perdre de leur éclat (Shutter Island, où es-tu ?). Ce à quoi je rétorquerais qu'il faut savoir saisir ce que le réalisateur suggère en filigrane à travers une lecture sur plusieurs plans qui se fait grandement à l'aide des personnalités ambivalentes et antagonistes des personnages. D'ailleurs, en plus d'interroger sur le spectacle et par conséquent l'art cinématographique, il est également moteur de réflexions personnelles sur l'être intime et l'être social, sur l'être et le paraître... même si dit comme ça cela peut paraître risible, justement.

Alors, Le Prestige, de l'or ou du plaqué ? Pour moi, c'est un tour de passe-passe réussi qui emploie les moyens cinématographiques à des fins époustouflantes. Mais après tout, qu'est-ce qu'on en a à faire de mon avis ? Tout le monde sait que la vérité est ailleurs...

8/10

Tideland : Objet Visuel Non Identifié ?

Devil's rejects meets Arizona Dream. Voici le programme des réjouissances, coincé entre l'horreur du long Le Village et l'excentricité décalquomaniaque d'un Las Vegas Parano. Comprenez donc par là qu'il se regarde avec le cerveau à moitié allumé, en sourdine.

Filmé de manière débridée comme tous les films de junkies qui se doivent de retranscrire le trip hallucinogène et la culture « no future », il fait bien sûr penser en premier lieu au Las Vegas Parano sus-cité, mais également à Trainspotting.

Pour plaire dans un film décomplexé pour jeune, il faut un maboul. En toute logique, et comme si tout était lié, Dickens fait penser à Pitt dans un autre film de Gilliam : L'Armée des 12 Singes. Dans le même registre, la fameuse bouille débonnaire de Jeff Bridges n'est pas à la traine, et rajoute du piment à la recette ma foi pas mauvaise.

Mais le film ne s'arrête pas à une accumulation d'influences aux senteurs mercantiles, car on y décèle également celle de Tim Burton, pour le meilleur.

Plus profondément, les projecteurs sont principalement tournés vers la gamine de l'histoire, ce qui fait que le regard porté sur son environnement est tout de suite plus enfantin et puérile. Par cette focalisation interne, tout est menace et amusement, peines et émois, dans un rêve à double tranchant où toutes les conventions sont bousculées, comme s'il s'agissait de revisiter Alice au pays des merveilles.

Une expérience naïve et morbide, exotique et barrée, à défaut d'être inoubliable, à voir pour la confluence des styles, entre le noble et le grivois, l'horreur et la comédie, avec un caché arty loin d'être déplaisant. En définitive, si je retenais uniquement son univers étrange et torturé, entre rêve et réalité, sans penser à d'autres films ni me dire que l'intrigue pue l'arnaque, j'en ferais un film ultime.

6/10

De l'eau pour les éléphants : Pas d'procès pour les méchants !

Beaucoup de tapage pour un film formaté, dans le fond, jusqu'au bout des ongles. Complètement d'accord, le cadre est original et franchement aguicheur. D'ailleurs, la bande-annonce était assez bien faite pour donner envie de voir une histoire dont le contexte paraissait au moins sortir de l'ordinaire. Pas que je pouvais m'attendre à du neuf sous le soleil de l'amour... Avec les bretelles du petit minet sorti de Twilight, je pouvais être sûr de me taper une resucée du Titanic de Cameron, à peu de choses près...

Et en bon blasé, je me suis quelque-peu retrouvé en terrain connu dès l'entame, qui avec sa musique lénifiante (qui ne quittera jamais le film mais s'adaptera aux situations) et son story-telling initié par un vioc', me rappelaient soudainement ce que j'aurais préféré oublier, une horreur d'ennui et de vide : L'étrange histoire de Benjamin Button. Encore une fois dans les sentiers battus, dès que le damoiseau a commencé à fricoter, du regard puis des doigts, avec la femme blonde platine du boss méchant pas beau tout rouge, même quand il faisait mine d'être courtois tout en laissant échapper un regard sombrement vilain ou une phrase assassine sur la facticité des relations sociales (« tout n'est qu'illusion !»).

Avec ça, j'y ai quand même vu quelques éléments surprenants, en bien comme en mal. Pour partir d'un bon pied, le parcours itinérant du cirque, effectué de ville en ville sur les rails, permettait de varier les situations tout en conservant l'indispensable cohérence que l'on attend toujours au tournant. Pour le plaisir, j'y ai rapidement aperçu un certain Freaks. Très très vite fait, car après tout la bobine était un poil mal léchée, à l'image de la barbe de quelques jours qu'arbore le minot, mais restait tout de même suffisamment propre sur elle pour soutenir au premier plan la romance made in Disney.

Pour ne pas dégoûter, il ne fallait surtout pas trop de « freaks », juste un nain, mais surtout pas de femme à barbe ou d'obèse, juste une évocation fugace, car après tout il fallait conserver l'esprit Narnia des animaux « oh il est mignon ». Sale mélange propre/sale, à l'instar de la gestion des images de synthèse, laides comme un pou dans certains passages : le train en marche et son « écran bleu » sur la végétation extérieure, et sans trop en dire, la scène de charivaris sous le chapiteau où les animaux sont à la fête, mais en carton-pattes, ou plutôt en plastique ? Dommage dommage... Ca casse le réalisme et par conséquent l'immersion.

Pour le meilleur, j'ai retrouvé Christoph Waltz dans son rôle de « bastard » dans lequel je l'avais laissé après avoir vu le Tarantino des 12 salopards. A côté de ça, les acteurs restaient sobrement à leur place, sans en faire trop, ni trop peu, assurant le minimum syndical pour rester en phase avec un résultat somme toute convenu et je dirais même plus : consensuel. En clair, rien ne dépasse vraiment de cette mixture tiède, mi-chaude mi-froide, chaque élément « bankable » est à sa place et ne brille en aucun cas. Par conséquent, j'en tire un constat un peu plus que mitigé, mais pas consterné pour autant.

PS : Je n'ai pas lu le bouquin, et je ne m'en porte pas plus mal (ai-je tort ?).

4/10

The tree of life : Ou le blockbuster de la grenouille de bénitier

Sur le papier, un casting aux petits oignons, un budget qu'on imagine blindé, une longue période de maturation pour un résultat qu'on espère à la hauteur, un grand nom à la réalisation, le souvenir de la Ligne rouge... Et du Nouveau monde. Ah, ça sent déjà moins bon...

Et là, le film. Ca commence pompier, avec des chants religieux, ça s'améliore légèrement au creux, et ça finit largement en emphase. De la BA, il ne reste rien, ou quasiment rien. De ce film sur l'éducation, qui paraissait déjà vu mais augurait du sympathique jaillit une envahissante allégorie de la vie, transcendée par la grâce, ou avilie par la (triste) nature. Je n'invente rien, ce sont les termes employés en adjonction des chants dégoulinants de bons sentiments voluptueux. Et cela ne s'arrête jamais, tout au long du film c'est un prosélytisme insoutenable pour un retour à la foi de ce Sean Penn que nous sommes tous, occidentaux, perdus dans notre cité de verre, attendant avec espoir un retour à la verdure pour reprendre racines familiale et spirituelle.

A priori dans la finesse, la narration use de procédés éhontés d'un lourdingue... De manière récurrente, sont répétées les mêmes allusions gonflantes au père et à la mère, qu'ils soient munis d'une majuscule à l'initiale ou non. C'est sur ce relent avarié de puritanisme américain que repose tout le twist du film, qui s'appuie sur l'évocation du « tuteur » de chaque être, de ce qui l'élève ou qui lui permet de s'élever. Toutefois, alors même qu'on croyait que cette éducation allait à vau-l'eau, qu'il y aurait un renversement de situation, et qu'on assisterait donc à l'application du procédé un peu archétypal employé dans Black Swan, mais somme toute attractif de l'ange qui se transforme en démon, il n'en est rien, et tout retombe à plat au moment même où la sauce commençait à prendre.

Avec un oeil saturé de cinéma traditionnel et formaté, on peut y voir un essai rafraichissant pétri d'images d'Épinal à la 2001, tout en se masturbant insensiblement les neurones puisque la trame ne nous stimule pas suffisamment pour nous distraire de notre monologue intérieur. Mais franchement, non, je préfère ne pas me laisser endormir par ce déballage d'images de clip tout autant propices à la contemplation qu'aliénantes, car il est impossible de me faire sortir de la tête que c'est trop de souffrances sous anesthésie locale pour pas grand-chose. En d'autres termes, il n'y a rien de neuf sous le soleil avec ce cours de catéchisme, ce sermon séduisant aux entournures, qui a pour seule caractéristique remarquable d'être aussi fourbe et perfide que le loup dans la bergerie qu'il jette aux orties dans sa bobine : la figure du père démoniaque mise en opposition de celle de la mère, angélique. S'appliquant à vouloir faire du Gus Van Sant, Malick ne fait rien d'autre que laisser un mauvais arrière-goût d'une compilation mal maîtrisée de Jurassic Park, pour le passage halluciné de la genèse où des dinosaures à la modélisation grotesque surgissent sans crier gare, d'Océans pour ses jolis plans sous-marins, et de Virigin Suicides pour l'American dream faisandé, entre autres...

Ayant l'impression d'avoir été le dindon de la farce, de s'être fait administrer une blague à l'insu de notre plein gré, on en ressort avec l'envie d'en découdre. Un comble pour un film qui se veut mystique et paisible, non ?

3/10

La part des ténèbres : King Romero ? King size !

Littérature, horreur et schizophrénie : un triptyque appétissant qui ne déçoit pas. Alors que la première heure « réaliste » nous oriente sur la piste de la schizophrénie pure et dure, la suite des hostilités réserve des accès fantastiques tout à fait déments. En plus de nous traîner pendant tout le parcours, le guide nous offre de regarder à droite et à gauche pour que chaque passant puisse s'offrir un panorama exotique de ce qu'il cherche dans ce film. Pour moi, une réflexion sur la littérature, de la pensée de soi la plus intimiste (le for intérieur), à l'écriture (et réflexivement la mise en scène) de soi par la biographie, en passant par la remise en cause perpétuelle du scribouilleur qui se figure toujours avec un nouveau jour le « scribouiller bien ».

Mais plus important encore, il fait réfléchir ! Pas de cette réflexion superficielle du style « que vais-je manger ce soir ? » ou bien « ai-je fait tout mon boulot ? », mais plutôt comme un bon bouquin sait le faire : « suis-je totalement sain d'esprit ? », « ai-je le bon comportement, la bonne approche de l'autre au bon moment ? », « est-ce que j'emploie les bons mots ? », « ce que je fais n'est-il pas vain ». Mine de rien, nous inculque une bonne leçon de philo pas faisandée par une autorité gerboulante.

Pas ouf d'un point de vue formel, on s'incline quand même devant la beauté de certains effets, notamment lorsqu'ils représentent un clin d'oeil à la vidéo et par conséquent au cinéma : cf. la scène à l'éclairage du plafonnier alternativement bleu et rouge – RVB/RGB / Matrix etc. si vous voyez ce que je veux dire... Autrement, on reconnaît tout de même la patte de Romero, voyant ci et là dans le maquillage et la manière de tourner le gore des augures des films de zombies qui ont fait sa renommée, bien que la bobine ne fasse ici pas dans le zombie. En fin de compte, si ça vaut le coup de perdre deux heures de son temps, c'est surtout pour l'histoire de Stephen King... Mais quelle histoire !

7/10

L'échelle de Jacob : Stairway (or ladder ?) to heaven.

Visuellement, le film ne résiste pas au poids des années et possède la marque indélébile des années 80 : dans l'accoutrement des personnages, la manière de filmer, et les inévitables musiques kitschounettes, au-dessus de la moyenne des films de l'époque, certes.

La mise en scène est en alternance hétérogène, éclatée et haletante pendant les hallucinations bien fignolées, ou classique et pour ainsi dire pauvre en effets le reste du temps.

Dérangeant, L'échelle installe un certain inconfort pendant la vision, à naviguer entre des mondes « parallèles » où Jacob évolue sans discontinuer. Ensuite arrive le malaise, une fois la vin vite arrivée. En définitive, quel est le vrai du faux ? Encore une fois, la problématique duelle entre fiction et « réalité » reste fondamentalement la même que dans 90% des films traitant de la folie. Seulement, insérer le conflit du Vietnam dans le schmilblick rehausse sensiblement le schéma habituel pour le caser docilement entre Platoon et Voyage au bout de l'Enfer.

A ce titre, le film d'Adrian Lyne fait très fort. Mêlant plusieurs genres en un seul film, il donne l'impression de vouloir réaliser la formule tout-en-un. Thriller, horreur, drame... Voilà autant de genres qui se décantent difficilement dans le précipité et qui donnent à coup sûr la désagréable impression que le réalisateur veut trop en faire, trop en dire, quitte à s'éparpiller dans le fourmillement d'idées sans pouvoir développer en détails ce qui aurait mérité d'être appuyé. Malgré ça, qu'on ne s'y trompe pas : L'échelle de Jacob n'est pas un film publicitaire, loin s'en faut.

D'ailleurs, c'est cette même envie d'en donner un maximum au spectateur qui fait du film un excellent divertissement qui sait tenir en haleine jusqu'au twist final pour le moins déconcertant. A moins que j'aie été assez crédule pour m'être laissé prendre au jeu, l'élément de résolution sauve, selon moi, grandement le film du naufrage dans l'oubli. Sans plus m'aventurer dans le spoil de tout poil, je dirai qu'on y trouve un peu des prémices d'Inception, pour le meilleur et pour le rire...

… D'une propension à tourner en dérision les intellectuels bardés de diplômes, par exemple, pour le caractère involontairement cocasse de certains dialogues ou situations improbables, ou encore tout simplement pour la VF encore une fois calamiteuse.

Pas de quoi bouder mon plaisir pour autant, j'ai été satisfait d'assister à ce qu'on désigne comme une grosse influence des développeurs de Silent Hill 2.

Quand la ville dort...

Après s'être jeté sur le papy en conservant l'eau du bain, un traître mot m'est vite venu à l'esprit. Ni une ni deux, je me disais que Quand la ville dort, The Asphalt Jungle pour son titre ridicule/original/français n'est pas aussi classe en termes de mise en scène que La nuit du chasseur, et pas aussi scénaristiquement fameux que Citizen Kane.

Et pourquoi alors ? Parce que la trame est tournée en priorité vers la psychologie des personnages et en second plan vers la satire sociale. En d'autres termes, l'objet du film se résume en un quart de seconde, prend son temps pour creuser quasi au jour le jour le parcours intérieur comme extérieur de chaque personnage hérité en « types » clairement discernables les uns des autres.

Et puis en vrai chieur, j'ai envie d'arguer que le film pose certains problèmes de réalisme, même dans sa scène principale, qui n'est autre que l'aboutissement de la quête des personnages. La scène du casse, plus précisément, et ce n'est pas la seule, pose un petit soucis quand le fameux « oeil » de rayons laser doit être contourné en rasant le sol cul et chemises à terre pour ne pas se faire griller.

Et pour palper à nouveau du réalisme de perlimpinpin, on peut aller voir du côté de l'interprétation, qui se la joue comme on peut s'y attendre dans une vaine plutôt théâtrale. La vieille école (américaine), dira-t-on, que je préfère toujours à la française, pour son sens de la « force tranquille » emphatique sans être pompière.

Après tout, le problème n'est pas l'évidente qualité cinématographique de ce que l'on a sous les yeux, mais sa pertinence aujourd'hui, alors que bon nombre de films « simulateurs de crime » sont passés et repassés par là, en ouvrant et élargissant toujours un peu plus le sujet, au lieu de se limiter au simple casse, de l'idée couvée jusqu'à l'exécution dans l'œuf.

Et pour le meilleur, parce qu'on maintient quand même le contrat de mariage, on retiendra l'art de soigner les plans fixes, de rendre l'image sombre mais pas trop, en soignant tout autant les contrastes dans cette jungle urbaine de pourris. Certains plans tamisés, en extérieur ou en intérieur, n'ont strictement rien à envier à certains films d'aujourd'hui conçus pour être contemplatifs.

Si je dois être totalement honnête, j'admets vite que ce n'est pas du Hitchcock, mais est-ce vraiment utile de faire la comparaison ? Non. C'est même plutôt con... Mais ça me traversait l'esprit, alors... En moi-même, je me dis que c'est bien dommage que je m'enthousiasme de la présence à l'écran de Marilyn Monroe, alors qu'en toute franchise elle s'avère être la pire d'entre tous. En matière de physionomie féminine ou cinématographique, la puissance du châssis évince tout, que voulez-vous...

World Invasion : Battle Los Angeles

C'est badass, ça transpire la testostérone et la camaraderie. C'est formaté au possible, jusque dans la BO : entre Dark Knight pour les sursauts de tension et Il faut sauver le soldat Ryan pour les moments de bravoure arrangés aux voies blanches toute dégueulasses de puritanisme avarié de chants de grands enfants de choeur. En plus de ça, les moyens pour faire des effets spéciaux époustouflants ne sont pas vraiment au rendez-vous. Des séries comme Stargate ou Battlestar Galactica font facilement mieux le temps d'un épisode de fin de saison.

Ce qui pète vraiment à la gueule, ce ne sont pas les effets spéciaux, non, c'est le fait que le film n'a aucune personnalité. C'est bien simple : jusqu'à voir pour la première fois un extraterrestre de près, on se dit qu'ils ne ressemblent à rien, toujours filmés de loin, endimanchés d'on ne sait quelle manière : C'est des robots ? Ils sont à poil ? C'est quoi ? Une coquille ? Une armure ? Designés comme des poulpes rachitiques, lointains cousins de ceux d'Independence Day, ils ont une gestuelle de l'autre siècle et un charisme proche du néant.

Avec tout ça, ce n'est pas étonnant que le scénario paraisse autant siphonné et téléphoné... ou presque. Le dénouement, qui résout le problème planétaire, constitue l'unique once d'originalité par la sublimation de l'art métonymique qu'il nous offre, à nous, spectateurs privilégiés. Malheureusement, il faut bien avouer qu'une seule surprise pour deux heures de film... C'est bien maigre. Les quelques occurrences d'originalité n'en sont en fait pas. Choisir une femme forte pour un semblant de parité homme/femme ou plutôt d'égalité des sexes est plutôt couillon voire carrément crétin. Ce gisement à pépites n'est pas exploité, ou alors seulement le temps d'une blague de bienvenue, parce qu'après ça vire vite au sexisme, et le comportement de WonderWoman est ni plus ni moins qu'un énorme copier-coller mal démoulé de l'American Soldier « chef oui chef ! ».

Pas de cuisine au top, non, rien que des gamelles pour un vétéran de la guerre en Irak qui en a marre de jouer le commis de la guerre et de ses atrocités, mais qui pour le bien de l'humanité rempile à la plonge et du coup se tape les quolibets des troufions sous son commandement. Et c'est en cela que réside le seul ressort dramatique, plié et pressé maintes et maintes fois. Entendre dire à répétition que la guerre traîne son lot de dommages collatéraux (comprenez macchabées) à cause de hauts gradés qui dans l'urgence sont amenés à faire des choix fatals, à force, c'est lourd.

Vous l'aurez compris à la lecture de son titre inepte à rallonge et de ce pavé mimétique, WI(oui):BLA(blabla), c'est gavant.